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Mister Freedom

2010-01-05T23:30:00+00:00

Genre : comédie satirique politico-ubuesque

Année : 1968

Pays d'origine : France

Réalisateur : William Klein

Distribution : John Abbey, Delphine Seyrig, Donald Pleasence, Jean-Claude Drouot, Rufus, Serge Gainsbourg, Philippe Noiret, Catherine Rouvel, Sami Frey, Sabine Sun, Yves Montand

La France est en plein chaos, confrontée d’une part au péril jaune, et de l’autre à la menace rouge. Une fois encore, la libération du pays passe par les Etats-Unis, qui envoient leur super-héros, Mister Freedom (John Abbey), afin de combattre les oppresseurs : Red China Man et Moujik Man (Philippe Noiret). Mr Freedom a également pour mission de découvrir qui a tué le Capitaine Formidable (Yves Montand), leur agent de liaison français. Arrivé à Paris, Mr Freedom est piloté par la jolie Marie-Madeleine (Delphine Seyrig), l’ex-fiancée de Capitaine Formidable. Elle le conduit au QG des partisans de la Freedom-Organisation. Si Mr Freedom possède de solides alliés, il peut également compter sur d’autres adversaires encore, en dehors des trotskistes et des maoïstes, comme les FAF : Factions Anti Freedom, dont le leader, Marie la Rouge (Catherine Rouvel), est la nouvelle Jeanne d’Arc.

William Klein, né en 1928, est peut-être le plus français des américains. Ancien GI, il découvre Paris en 1947 et s’y installe l’année suivante. Il ne l’a plus quittée depuis. Connu en tant que photographe, peintre et réalisateur de documentaires, cet artiste engagé a également réalisé une poignée de longs métrages. Son premier, « Qui êtes-vous, Polly Maggoo », était une satire du monde de la mode. Le suivant, « Mister Freedom », est une grosse farce satirique qui dénonce, dans un style proche de la bande-dessinée, l’impérialisme américain. Mais les Etats-Unis ne sont pas les seuls à en prendre pour leur grade. William Klein prend aussi un malin plaisir à égratigner le trotskisme, le maoïsme, mais aussi le christianisme et certains travers de la culture française.

L’idée de « Mister Freedom » a démarré en 1967. A l’origine, il s’agissait de réaliser un film collectif sur le Vietnam, dénonçant entres autres l’intervention américaine. Mais William Klein n’était pas satisfait des premiers résultats, et de plus il souhaitait s’éloigner finalement de ces films documentaires pas très bien perçus du public. Il a donc opté pour un style radicalement différent, à savoir une comédie loufoque dans un esprit très BD (un livre sera d’ailleurs publié en 1970 chez Eric Losfeld, sous forme de roman-photo).

Le tournage de « Mister Freedom » fut achevé début avril 1968, et c’est incroyable comme il préfigure de manière saisissante les événements de mai. A un tel point, d’ailleurs, que le film fut interdit pendant neuf mois, la censure estimant qu’il s’agissait d’une œuvre sur Mai 1968. Du coup, William Klein profita de ce contretemps pour filmer un début de manifestation qui ferait office d’archive, et qu’il intégra a posteriori dans « Mister Freedom ».
Le Mr Freedom en question est l’antithèse de Superman. Bête et méchant, on le voit au début, dans une bourgade des USA où il est shérif, endosser son costume afin de récupérer des biens volés par une communauté de noirs lors d’émeutes. Freedom chante comme une passoire, assomme un touriste japonais sur la place du Trocadero avant de lui voler son appareil photo, et plus tard balance dans le vide un laveur de carreaux qui se trouvait sur le balcon de sa chambre d’hôtel.

Pour incarner ce parfait imbécile, William Klein a fait appel à un inconnu, ou presque : John Abbey. Acteur américain, il exercera son métier de comédien exclusivement en France, passant du cinéma au théâtre, jusqu’au milieu des années 70.
Mais le réalisateur a également eu l’idée géniale de vouloir transformer Delphine Seyrig, à l’époque considérée comme une actrice intello et sérieuse, en pin-up ! Cette métamorphose est une totale réussite, et voir évoluer Delphine Seyrig en bimbo est un réel plaisir, et anticipe en quelque sorte son rôle de vamp qu’elle tiendra un peu plus tard dans « Les lèvres rouges ».
Puisque l’on évoque le casting, il est étonnant de constater qu’un film réunissant autant de noms prestigieux ait pu à ce point tomber dans les oubliettes.

Accrochez-vous, dans « Mister Freedom », vous pourrez voir Philippe Noiret dans une tenue proche d’un Casimir, Sami Frey en Jesus Christ, Jean-Claude Drouot et Rufus affublés de casques en forme de sèche-cheveux, Yves Montand s’amusant à jouer les fantômes en treillis militaire (sans la moindre ligne de texte). Et aussi Donald Pleasance, le boss de Freedom, qui donne les ordres par le biais d’un bracelet-montre-télévision ; Serge Gainsbourg, opérateur radio des « Fredom Boys », qui ne devait faire que la musique du film (avec Michel Colombier) mais qui, en voyant les premiers rushes, voulut absolument jouer dedans. Quant à Red China Man, il est incarné par… une structure gonflable, une sorte de dragon-baudruche tel qu’on peut en voir sur les plages en été, et qui dans le film arpente les couloirs du métro parisien pour l’occasion rempli d’affiches de propagande soviétique. De même, le Président de la République Française, rebaptisé pour l’occasion Super French Man, n’est en fait qu’une poupée gonflable géante bleu-blanc-rouge !

Si le président des Français n’est qu’une marionnette, l’ambassade des Etats-Unis se limite à un supermarché, avec un ambassadeur/gérant et des vendeuses/pom-pom girls qui passent leur temps à sautiller dans les rayons du magasin, arborant un sourire « colgate » à rendre jalouses nos caissières de Prisunic !
Bref, William Klein n’épargne personne, et même si le propos est parfois confus, le fait de montrer ce superman qui, sous le couvert de la justice et de la morale, veut imposer sa vision de la liberté (qui est en réalité une forme de dictature), nous ouvre les yeux sur la façon dont certains gouvernants envisagent la démocratie et la politique extérieure (en cela, le film de Klein restait terriblement d’actualité jusqu’à la fin du second mandat de George Bush Jr).

Malgré son côté un peu bordélique, et un rythme assez inégal, « Mister Freedom » reste un film délirant, mélangeant le cinéma, la bande-dessinée et le cirque, le tout sur un ton satirique politiquement incorrect plutôt jouissif. On imagine qu’à l’époque, certains n’ont pas dû apprécier les propos de Donald Pleasance qui, en tant que Dr Freedom, décrivait les français comme un peuple de pleurnichards morveux incapable de se prendre en main depuis la fin du règne de Napoléon ! Toujours est-il que les acteurs semblent avoir pris beaucoup de plaisir à avoir tourné pour William Klein. Si vous avez l’occasion de voir le film, et que vous êtes particulièrement observateur, vous pourrez même reconnaître l’espace d’une seconde, en arrière-plan, Simone Signoret attablée lors d’une réunion syndicale.

La porte aux sept serrures

2009-12-17T20:46:00+00:00

Titre original : Die Tür mit den 7 Schlössern)

Genre : Krimi

Année : 1962

Pays d'origine : Allemagne

Réalisateur : Alfred Vohrer

Distribution : Heinz Drache, Sabine Sesselmann , Eddi Arent, Pinkas Braun, Werner Peters, Gisela Uhlen, Hans Nielsen, Klaus Kinski

Scotland Yard est une fois encore aux abois. Deux hommes ont en effet été tués en l’espace de 48 heures, à Londres. Le premier a été repêché dans la Tamise ; le second, un prêtre, a été assassiné à la gare de Waterloo. Point commun entre les deux victimes : elles portaient une clé en or rattachée à une chaîne. L’homme d’église, qui venait d’Ecosse, avait aussi dans une poche une lettre où il est écrit qu’il devait rencontrer un certain Haveloc.
L’enquête est confiée à l’inspecteur Richard Martin (Heinz Drache) et son adjoint Holms (Eddi Arent). Martin reçoit la visite d’un cambrioleur notoire, Pheeny (Klaus Kinski). Celui-ci paraît très nerveux. Il raconte au policier qu’il a été engagé pour ouvrir une porte protégée par sept serrures différentes, en échange d’une forte somme d’argent. Il a été conduit sur place les yeux bandés. Tout ce dont il se souvient c’est un blason, et le fait que ses commanditaires ne possédaient qu’une seule clé. N’ayant pu réussir à ouvrir la porte, Pheeny pense que sa vie est menacée.
Martin part ensuite à la recherche du dénommé Haveloc. L’homme était en fait l’exécuteur testamentaire d’Angus Selford, un riche Lord décédé voici quelques années, et qui lui avait confié la gestion de sa fortune à son héritier. Celui-ci, Percy, aura bientôt 21 ans, date butoir à laquelle la fortune de son père lui reviendra totalement. En attendant, le jeune homme parcourt le monde et demeure inaccessible. Le policier apprend aussi que le prêtre assassiné avait entendu en confession l’un de ses fidèles, qui connaissait Lord Angus. Ce dernier, avant de mourir, avait réuni sept de ses proches les plus sûrs, et leur avait remis une clé à chacun… Une clé identique à celles retrouvées sur les cadavres.

« La porte aux sept serrures » avait déjà connu une première adaptation anglaise, dès 1940. Le film avait même été distribué aux Etats-Unis sous le titre « Chamber of Horror », et il s’agissait là de la deuxième œuvre basée sur un roman d’Edgar Wallace à être diffusée sur le continent américain, après « The Human Monster » (« Les mystères de Londres ») en 1939.
Cette version de 1962, réalisée par l’incontournable Alfred Vohrer, frise la perfection. Assurément, le metteur en scène a su exploiter tous les ingrédients du livre et les retranscrire sur pellicule, tout en y apposant son style. La trame de cette histoire est à la fois originale et passionnante ; et l’intrigue tient le spectateur en haleine pendant tout le film, avec, cerise sur le gâteau, un dénouement inattendu mais parfaitement logique. Oui, pas de scénario tiré par les cheveux, comme c’est parfois le cas dans le krimi. Alors, même si « La porte aux sept serrures » comporte peu de scènes spectaculaires, elle n’en est pas moins fort réjouissante dans l’ensemble, avec un scénario complexe mais parfaitement huilé, et d’une limpidité qui force au respect. On est pourtant dans un schéma classique du genre puisque, encore une fois, il est question d’une sombre histoire d’héritage, thème récurrent du krimi. Inspecteur de police fin limier et demoiselle en détresse sont également au menu, avec en bonus un savant fou se livrant à des expériences secrètes au fin fond d’un laboratoire souterrain.

Le flic de service est cette fois incarné par le sympathique Heinz Drache, dont le style rappelle un peu celui de Joachim Fuchsberger, l’acteur jouant en toute décontraction. Mais Drache, lui, ne mâche pas de chewing-gum. Il a comme passe-temps la prestidigitation, un talent qui s’avèrera évidemment utile à un moment du film. Cet acteur avait déjà joué dans « The Avenger » (1960), et on le verra par la suite dans d’autres krimis (neuf en tout), mais aussi dans « Casse-tête chinois pour le judoka », de Maurice Labro. L’héroïne de « La porte aux sept serrures », Sabine Sesselmann, est loin d’être aussi connue qu’Uschi Glas ou Karin Dor. Cette jolie blonde avait néanmoins tourné l’année précédente dans « Le Narcisse Jaune intrigue Scotland Yard ». Mais son rôle le plus connu reste celui d’Aurore de Nevers dans « Le Bossu » d’André Hunebelle, aux côtés de Bourvil et Jean Marais.

Le reste du casting est beaucoup plus familier, puisqu’on y retrouve des habitués du genre, et dont tous ou la plupart ont travaillé pour la firme Rialto. En tête de liste citons Eddi Arent, qui bien que s’appelant Holms dans le film est pourtant, comme souvent, l’adjoint du héros. Arent se montre cette fois assez sobre dans le registre comique, tout comme Siegfried Schürenberg (l’inamovible Sir John), et l’on ne s’en plaindra pas. Côté méchants, Pinkas Braun remporte la palme haut la main, dans un rôle de médecin dément proche d’un Mengele. Décédé l’année dernière, le Suisse a lui aussi écumé les krimis, mais aussi la SF avec « 4.3.2.1. Opération Lune », de Primo Zeglio. L’une de ses dernières prestations mémorables sera celle qu’il tenait dans le « K » d’Alexandre Arcady. En dehors de Werner Peters (vu dans plusieurs volets des « Docteur Mabuse ») et Jan Hendriks (« College Girl Murders »), notons également les présences du « kolossal » Ady Berber, dans un emploi quasi-identique à celui des « Mystères de Londres », et de Klaus Kinski, ce dernier disparaissant toutefois rapidement de l’intrigue.
Bref, « La porte aux sept serrures » compte parmi les très bonnes adaptations des œuvres d’Edgar Wallace, et le film d’Alfred Vohrer est une réussite, à laquelle il ne manque qu’un ou deux moments forts pour atteindre les sommets. On peut aussi regretter une prestation en demi-teinte de Peter Thomas en ce qui concerne la bande originale, ce qui est plutôt rare de sa part. Mais dans l’ensemble, ce krimi millésimé 1962 est un fort bon cru, à déguster de ce fait sans modération.

Der Gorilla von Soho

2009-11-17T20:31:00+00:00

Genre : Krimi

Année : 1968

Origine : Allemagne

Réalisateur : Alfred Vohrer

Distribution : Horst Tappert, Uschi Glas, Uwe Friedrichsen, Herbert Fux, Hubert von Meyerinck, Inge Langen, Beate Hasenau

L’inspecteur David Perkins (Horst Tappert) enquête sur la mort d’un homme retrouvé noyé dans la Tamise. La victime avait pour nom Richard Ellis, australien d’origine, la soixantaine bien sonnée. Bien qu’il s’agisse apparemment d’une mort naturelle, Perkins est sceptique, Ellis étant le troisième individu à être repêché dans le fleuve. Détail curieux, on a retrouvé dans les effets personnels du défunt une petite poupée sur laquelle des mots ont été inscrits dans un dialecte africain. Le policier, flanqué de son adjoint le sergent Pepper ( !), fait donc équipe avec la jolie Susan Mc Pherson (Uschi Glas), ex-infirmière maîtrisant les langues africaines. Leurs investigations les conduit vers une association philanthropique : "Love and Peace for People", organisme du genre "Armée du Salut", qui recueille notamment les jeunes femmes en détresse. Il se trouve que les trois noyés de la Tamise, outre le fait qu’ils étaient tous étrangers et d’un âge avancé, avaient légué par testament leur fortune à cette association.

Ce résumé vous dit quelque chose ? Pas impossible, surtout si vous avez lu la précédente chronique sur « Les mystères de Londres ». En effet, « Der Gorilla von Soho » est une nouvelle adaptation du roman d’Edgar Wallace, « The testament of Gordon Stewart », et de ce fait une relecture du film de 1961. Curieusement, c’est encore Alfred Vohrer qui l’a réalisé, livrant une copie presque conforme de sa première version. Du moins dans les grandes lignes. Car indéniablement, « Der Gorilla von Soho » est inférieur, notamment au niveau de l’ambiance. Disparue la ville de Londres noyée sous le brouillard avec un Ady Berber diablement inquiétant. A la place, on se retrouve avec un meurtrier se dissimulant dans un costume de gorille (indiscrétion garantie, mais peut-être Vohrer a-t-il voulu faire un clin d’œil à la nouvelle d’Edgar Poe, « Double assassinat dans la rue Morgue »). Si le trio Tappert/Glas/Friedrichsen reprend honorablement les rôles de Joachim Fuchsberger, Karin Baal et Eddy Arent (avec moins de panache, néanmoins), les méchants s’avèrent moins « colorés » (bien que le film le soit, lui). Pas de Kinski (mais un clone aux lunettes noires moins impressionnant), pas de Berber, donc ; mais heureusement Herbert Fux, dans le rôle d’un malfrat maître chanteur, sauve les meubles.

Fux, décédé en 2007, fut une figure incontournable du cinéma de genre allemand durant de nombreuses années. On a pu voir son visage coupé au couteau dans des œuvres aussi diverses que « Commissaire X, halte au L.S.D. », « La marque du Diable », « Sonny and Jed » et la version de « Jack l’Eventreur » par Jess Franco. Il fut également un pilier du cinéma érotique teuton durant la décennie 70. A ce propos, on notera la première apparition dans ce krimi d’une future vedette des productions « cochono-teutonnes » d’Erwin Dietrich, à savoir la mignonne Ingrid Steeger, jouant l’une des nombreuses serveuses nues (ou presque, seule une feuille de vigne leur cache la toison pubienne) fréquentant un cabaret de Soho où Derrick, pardon… Perkins vient enquêter, et où Sir Arthur (le remplaçant de Sir John, chef de Scotland Yard) vient lui s’encanailler. C’est d’ailleurs là qu’on voit l’évolution du krimi en cette fin de décennie. L’ambiance gothique des années noir et blanc s’est peu à peu dissoute, et l’érotisme a commencé à s’y faire une petite place. « Der Gorilla von Soho » possède la même intrigue tarabiscotée (et diablement tirée par les cheveux) que « Les mystères de Londres », mais l’aura de mystère du premier opus est ici noyée par la légèreté du cadre de ce cabaret (même si cela reste un plaisir certain pour les yeux), et l’humour ici particulièrement lourd du personnage de Sir Arthur, véritable obsédé sexuel, et de celui de Friedrichsen, l’adjoint de Perkins, un rien benêt et ne pensant qu’à draguer Susan Mc Pherson.

Il faut avouer qu’elle est bien mignonne, Uschi Glas (et son interprétation est peut-être la plus satisfaisante, avec celle d’Herbert Fux). A son actif, elle possède une bonne expérience du krimi, puisqu’elle jouait déjà dans « The sinister Monk » et « College girl murders » ; et qu’on la verra ensuite dans « La morte de la Tamise », et « Le tueur à l’Orchidée », un giallo celui-ci, puisque la Rialto, lors de ses dernières années, avait coproduit ses films avec l’Italie.
Si l’on est finalement déçu par cette resucée des « Mystères de Londres », on est par contre en droit d’être satisfait (voire emballé) par la musique du génial Peter Thomas, dont les rythmes jazz-pop si particuliers donnent furieusement envie d’acheter le CD.
Pour le reste, on se dit qu’Alfred Vohrer a quand même fait bien mieux. « Der Gorilla von Soho » se suit d’un œil tout au plus amusé, et l’on peut sourire des « farces » du metteur en scène, appelant l’un de ses personnages « Docteur Jekyll ». Sans oublier l’incroyable Sergent Pepper ! On aurait pu croire à un hasard, jusqu’au moment où lors d’une scène se situant dans la chambre d’une entraîneuse, la caméra s’attarde sur un poster des Beatles, celui du Lonely Hearts Club Band ! Sacré Alfred…

Kriminal

2009-10-16T20:02:00+01:00

Titre espagnol : La màscara de Kriminal

Genre : Comics, Aventures, Thriller

Année : 1966

Pays d’origine : Italie/Espagne

Réalisateur : Umberto Lenzi

Distribution : Glenn Saxson, Helga Liné, Andrea Bosic, Ivano Staccioli, Esmeralda Ruspoli, Dante Posani, Franco Fantasia, Susan Baker…

Kriminal, l’ennemi public numéro un, a été arrêté par Scotland Yard. Son dernier forfait, le vol de la Couronne d’Angleterre, va lui coûter la pendaison. Au moment de son exécution, un certain nombre d’incidents se produisent, ce dont profite Kriminal pour s’échapper. En fait, l’évasion a été commanditée par l’inspecteur Milton, celui là même qui avait été responsable de l’arrestation du génie criminel. En agissant ainsi, il compte retrouver la Couronne d’Angleterre, et remettre la main sur Kriminal. Mais ce dernier a flairé le piège. Après avoir échappé à une filature, il trouve refuge chez Margie, son ex-compagne. Non seulement le couple se réconcilie sur l’oreiller, mais la jeune femme le branche sur un transfert de diamants à destination d’Istanbul. Pour Kriminal, qui a renvoyé la Couronne à Scotland Yard (un trésor trop encombrant, finalement), c’est une occasion idéale de se refaire la main. Mais l’affaire va s’avérer plus compliquée que prévue, l’homme au costume de squelette se retrouvant alors au centre d’une conspiration aux multiples rebondissements…

Après un début de carrière tourné exclusivement vers le cinéma d’aventures (peplums, pirates, films de jungle…), Umberto Lenzi bifurque au milieu des années soixante vers le film d’espionnage, et donc, tout naturellement, en somme, vers ce « Kriminal ». Il s’agit là de la première adaptation cinématographique d’un fumetti, deux ans avant le « Danger, Diabolik » de Mario Bava, et le « Satanik » de Piero Vivarelli. « Kriminal » fera l’objet dune suite, sous la houlette de Fernando Cerchio (« Il marchio di Kriminal », 1968), dans lequel on retrouve une partie des acteurs principaux du premier opus.
A l’origine, « Kriminal » est donc un fumetti, mettant en lice un criminel plutôt violent et sadique portant une combinaison de squelette et un masque. Cette bande dessinée (créée par le duo Magnus/Bunker) aura vu le jour en 1964, et les aventures de ce personnage prendront fin en 1976. D’un être cruel et implacable, Kriminal deviendra peu à peu une sorte d’Arsène Lupin.

En voyant le film, on peut reconnaître sans peine qu’Umberto Lenzi a su retranscrire l’esprit du fumetti, et de ce fait, « Kriminal » passe sans souci des cases de bandes dessinées au grand écran. Pour animer ce génie du mal, le cinéaste a choisi un acteur hollandais, Glen Saxson. A l’époque, l’homme n’est pas vraiment une vedette. Il joue la même année dans deux westerns spaghetti, l’un tourné par Emilio Miraglia, l’autre par Alberto de Martino. En dehors du western, cet acteur aux allures de « beau gosse » reprendra la tunique de Kriminal pour la suite tournée par Fernando Cerchio, avant de finir plus ou moins sa carrière au début des seventies dans deux volets des « Frau Wirtin » mis en scène par Franz Antel (connu chez nous sous le pseudo de François Legrand). Dans l’ensemble, malgré sa gueule de « jeune premier », Saxson s’en tire plutôt bien et compose donc un fort honorable Kriminal. Co-production italo-espagnole, « Kriminal » est doté d’un casting plutôt cosmopolite. Aux côtés de notre héros néerlandais, on retrouve la magnifique Helga Liné, dans un double rôle (celui de jumelles aussi perfides l’une que l’autre).

Cette Berlinoise aux yeux de félin commença sa carrière comme danseuse et acrobate, avant de devenir mannequin, puis actrice, essentiellement en Espagne où elle s’installa au début des années soixante. On ne compte plus ses prestations remarquées, tellement elles sont nombreuses, mais on peut citer « Demoniac » (« The Blancheville Monster »), « Dracula Saga », « Horror Rises from the Tomb » ou encore « The Loreley’s Grasp ». C’est l’acteur yougoslave Andrea Bosic qui tient le rôle de l’inspecteur Milton, personnage récurrent de la bande dessinée. On a pu le voir entre autres dans « Maciste en enfer » et « Sandokan le tigre de Bornéo ». Son dernier rôle sera celui d’un prêtre dans « Formule pour un meurtre ». Bon, il y a quand même des italiens dans le film, parmi lesquels Ivano Staccioli (« La mort caresse à minuit », « Il fiore dai petali d’acciaio »), Franco Fantasia (« Le tueur à l’orchidée », « La montagne du dieu cannibale », « La secte des cannibales ») ainsi que Dante Posani, partenaire de Ray Danton dans « Opération Ré Mida ». Notons enfin la présence de Mirella Pamphili, que l’on a croisé dans une multitude de films sans que l’on se rappelle vraiment d’elle (une centaine de rôles entre 1966 et 1971 !), à l’image d’une Carla Mancini.

Ce « Kriminal », sans être aussi délirant que le « Diabolik » de Mario Bava (qui doit beaucoup au talent du metteur en scène et à la musique de Morricone), s’avère bien meilleur que « Satanik », par exemple. Doté d’un budget confortable, Lenzi promène le spectateur depuis Londres jusqu’à Istanbul, en passant par Madrid. Avec son intrigue à tiroirs, il anticipe l’esprit qui animera ses gialli quelques années plus tard. Les rebondissements sont nombreux, et le réalisateur réussit son pari en proposant un Kriminal tantôt implacable, tantôt smart, doté d’un certain sens de l’humour qui fait mouche. C’est en quelque sorte un James Bond qui aurait basculé du côté obscur, sportif accompli, séducteur patenté, combattant hors-pair, et rusé comme un renard. A l’aise dans les soirées mondaines, il joue aussi au casino (perdant contre son ennemi, pour mieux prendre sa revanche par la suite). Avec une telle carte de visite, nul doute que Kriminal aurait fait un malheur au sein de n’importe quel service secret.

Mais c’est un individualiste, et son appât du gain est si fort qu’il risque à tout moment de le conduire à sa perte. Et puis, Kriminal, comme son nom l’indique, n’hésite jamais à tuer, les femmes comme les hommes, quand le besoin s’en fait sentir. Ce personnage pour le moins amoral n’en est pas moins sympathique, et c’est avec plaisir que l’on suit ses pérégrinations, accompagnées d’une superbe partition musicale pop/groovy tout à fait dans l’esprit des comics, due au peu connu Raymond Full. Derrière ce pseudonyme se cache un italien au nom de Romano Mussolini. Avec un tel patronyme, on comprend aisément qu’il ait pris un pseudo. Le film se termine comme il avait commencé, avec des « bulles », de façon très sympathique. Un festival de bulles qui mériterait que l’on débouche une bouteille de champagne pour Mister Lenzi, pour l’occasion, ce qui n’a pas toujours été le cas.

Schlock

2009-09-17T23:49:00+01:00

Genre : parodie

Pays d'origine : Etats-Unis

Réalisateur : John Landis

Distribution : Saul Kahan, Eliza Roberts, Charles Villiers, John Landis, Harriet Medin

« Si un jour je découvre la chose ou l’être responsable de çà, ça va chier de la merde dans les chaumières ! » C’est par cette tirade, lancée par le détective-sergent Wino (petit, coupe de cheveux à la Bozo et imperméable Columbo) que démarre le film. A ses côtés, un grand dadais de flic aux oreilles décollées observe le carnage qui vient de se produire : les meurtres sauvages de 239 personnes dans un parc de loisirs. Dans cette petite bourgade tranquille des Etats-Unis, près de 800 victimes ont ainsi été recensées en l’espace de trois semaines. Pourtant, on n’a pas affaire, en l’occurrence, à un tueur en séries, ni à un groupuscule terroriste. Non, en fait, le responsable de ce massacre n’est autre que le Schlockthropus (Schlock pour les intimes), c’est-à-dire le chaînon manquant, un singe anthropoïde issu de la préhistoire, pris dans les glaces durant l’ère quaternaire, et qui se réveille donc, un peu perdu il faut l’avouer, en cette fin de XXème siècle.
Pourtant, il n’est pas méchant notre ami Schlock, au fond. Il lui faut juste le temps de s’adapter à son nouvel environnement, et à ses êtres étranges que sont les humains. En attendant, le « tueur à la banane », surnommé ainsi par la presse à sensations, poursuit tranquillement son chemin, semant le trouble et la panique partout où il passe. Jusqu’à ce qu’il tombe sur Mindy, une jeune américaine grassouillette aveugle, qui doit bientôt recouvrer la vue. Schlock tombe amoureux !

Lorsque l’on se penche sur la filmographie des réalisateurs renommés, on se rend compte que certains ont débuté avec de petites œuvres fort sympathiques. On pourrait citer par exemple « Seizure la Reine du Mal », d’Oliver Stone, ou encore « Dark Star », de John Carpenter. Ce n’est pas un hasard si les deux cinéastes cités, ainsi que John Landis, sont issus de la même génération, et si les trois films sont sortis dans un laps de temps rapproché. Cette période du début des années 70 fut particulièrement faste en jeunes réalisateurs surdoués et qui, avec peu de moyens, compensèrent largement ce déficit financier par une imagination débridée et sans limites.
« Schlock » est avant tout une parodie, doublé d’un hommage évident à « King-Kong », mais où les clins d’oeil affluent : « La Belle et la Bête » de Cocteau, « 2001 L’Odyssée de l’Espace » de Kubrick, de même que l’âge d’or du cinéma muet, et notamment les films de Laurel et Hardy. Landis (qui joue le rôle de Schlock, dont le masque fut conçu par le talentueux Rick Baker) se permet également une incartade dans un cinéma dans lequel passent deux classiques du cinéma fantastique : « Blob, Danger planétaire », et « Dinosaurus, les Monstres de l’Ile en Feu », où l’on retrouve parmi les spectateurs un certain Forrest J. Ackerman pour un sympathique cameo.

Si « Schlock » n’est pas un film sans défauts, il ne faut pas oublier que John Landis n’avait que vingt trois ans à l’époque, ce qui ne l’a pas empêché de bien maîtriser son sujet, et de jongler habilement entre la parodie (humour potache) et l’hommage aux films de genre (ambiance « drive-in movies »). Qu’importe les stéréotypes (flics stupides, teen-agers insouciants), « Schlock » accumule les scènes drôles : Mindy qui, aveugle, croit que Schlock est un chien et lui lance inlassablement un bâton ; Schlock qui débarque dans une station-service, voit l’enseigne représentant une banane, annonçant le lien avec le monolithe de « 2001… » et un gag savoureux dont sera victime un pauvre hippie qui ne demandait rien. Et puis, il y a le duo au piano avec un (autre) aveugle pour un boogie endiablé ; sans oublier le final (dramatique, cette fois) au bal des étudiants.
Comme ce fut parfois le cas dans ce genre de films (« Doc Savage arrive » par exemple), le métrage s’achève en annonçant une fausse suite qui ne se tournera jamais, en l’occurrence « Son of Schlock ».

En dehors de John Landis, impossible à reconnaître dans son costume de singe, mais très bon dans sa gestuelle et ses expressions, on notera la présence de Harriet Medin au sein d’un casting composé d’une majorité d’inconnus. Miss Medin incarna l’archétype de la gouvernante inquiétante dans un grand nombre d’œuvres gothiques durant les années 60, comme « L’Horrible Secret du Dr Hichcock », « Le Spectre du Dr Hichcock », « Le Corps et le Fouet », « Six Femmes pour l’Assassin » et « Les Nuits de l’Epouvante », excusez du peu.
Ici, elle joue la mère de Mindy, un rôle bien différent où elle montre également un talent pour la comédie, et qui se confirmera notamment un peu plus tard dans « La Course à la Mort de l’An 2000 ».
Si vous avez l’occasion de voir « Schlock », vous ne manquerez pas de remarquer le « délire » de John Landis à propos d’un film inventé : « See you next Wednesday » (« On se voit mercredi »). Ce gag deviendra récurrent dans les œuvres futures du metteur en scène, puisque l’on verra furtivement des affiches de « See you next Wednesday »au détour d’une scène du « Loup garou de Londres », par exemple, ou de « Série Noire pour une Nuit Blanche ».

Fata Morgana

2009-08-05T20:23:00+01:00

Genre : Thriller métaphysique

Année : 1965

Pays d'origine : Espagne

Réalisateur : Vicente Aranda

Distribution : Teresa Gimpera, Antonio Ferrandis, Marcos Martin, Alberto Dalbès, Marianne Benet, Antonio Casas

Dans un teaser réalisé à la façon d’une bande dessinée, un commissaire de police rappelle un fait survenu en 1965 : le meurtre d’Ursula Alejandra Aviexa, une très belle femme. Selon le policier, l’assassin, dont l’identité demeure inconnue, s’apprête à frapper de nouveau. On ignore où et quand, et qui sera la prochaine victime. Mais celle-ci sera encore une fois une jolie femme, car le tueur s’en prend à la beauté.
Le flic chargé de retrouver la future cible du meurtrier s’appelle J.J. Pour lui commence à présent une course contre la montre.
La femme qu’il recherche s’appelle Gim, blonde à l’aspect fragile et qui vend son image à travers des spots publicitaires. Elle vit dans une grande cité qui, pour des raisons inconnues, doit être évacuée. Alors que la grande majorité des habitants ont déserté la ville, certains ont choisi de rester, pour des raisons personnelles.
Gim, par exemple, ne veut pas partir car l’homme qu’elle aime, Alvaro, fait partie de ceux qui n’ont pas tenu compte des consignes d’évacuation. Il réside dans une belle propriété avec Miriam, dont la santé mentale demeure encore fragile suite à la mort de Jerry, son ex-amant. La situation est délicate pour Alvaro, à la fois amoureux de Gim, et incapable d’abandonner Miriam.
Parmi les autres habitants encore présents dans l’enceinte de la cité, on trouve une bande de cinq adolescents « à problèmes », et un expert en criminologie : le Professeur. Ce dernier est le lien entre Gim et J.J., la seule personne capable d’empêcher la jeune femme d’être la prochaine victime et de permettre au policier de confondre l’assassin.

Surtout connu pour « La Mariée Sanglante », sa déroutante adaptation du roman de Sheridan Le Fanu, « Carmilla », Vicente Aranda s’est lancé tardivement dans la mise en scène avec un premier long métrage : « Fata Morgana ». Un film bien étrange, assez hermétique, dans la droite ligne de la Nouvelle Vague espagnole. Une première œuvre sous influence, à certains moments, de Luis Bunuel, dont Aranda s’annonce comme l’un des héritiers. « Fata Morgana » baigne aussi dans le surréalisme, et l’on ne peut s’empêcher de penser également à Arrabal ou Jodorowsky. Sauf que chez Vicente Aranda, la violence et le délire sont épurés à l’extrême. Ce qui surprend, à la vision du film, c’est son aspect très dépouillé dans la forme, par rapport au fond, particulièrement complexe.

Le réalisateur a choisi pour trame une histoire policière, une sorte de thriller basé sur le postulat que dans toute société, certaines personnes naissent victimes, et d’autres sont nées pour tuer. Le personnage du Professeur est capital, car c’est à travers son étude de la compréhension des criminels que l’on parvient à saisir la démarche de Vicente Aranda. Il s’intéresse à la psychologie de certains tueurs en séries, obsédés par la beauté et le fait de vouloir la posséder à travers l’autre. S’ils ne peuvent la posséder, ils n’ont d’autre alternative que de la détruire. Si la beauté peut susciter la convoitise (à travers le personnage d’Alvaro), elle peut tout autant attirer la haine.

Si la victime est innocente, elle est cependant « coupable » de vulnérabilité naturelle, provoquant ainsi un sentiment d’incitation à la violence chez le criminel. Gim possède toutes les caractéristiques de la victime ainsi désignée. Elle n’a pas conscience du danger qui la menace, et c’est pourquoi le Professeur va l’aider à éveiller sa conscience, par le biais de rencontres improvisées, où, sous le couvert d’un déguisement différent à chaque fois, le criminologue aura pour mission d’appliquer sa méthode, à savoir faire accepter ses peurs à la jeune femme, et les surmonter.

Le subterfuge du déguisement n’est pas innocent. Derrière de faux-semblants, le cinéaste cherche à nous montrer que la réalité que nous voyons à travers nos yeux, et que nous pensons être vraie, peut être un leurre. Outre la relation entre le tueur et la victime, Aranda jongle aussi sur le rêve et la réalité, le désir et le besoin, et forcément la vie et la mort.
Cette étude du comportement humain n’est pas toujours facile à suivre, mais l’originalité du metteur en scène consiste à l’avoir placé dans un contexte d’anticipation. A style épuré, décor également dépouillé. Cette grande ville (Barcelone ?) en partie déserte donne au film des allures de polar post-apocalyptique. Une impression de vide gigantesque accentuant l’impression de malaise, de mystère et d’incertitude qui règne dans « Fata Morgana ».

Evidemment, comme souvent dans un film « expérimental » (car c’en est un), les défauts ne sont pas exempts. La faible part laissée à l’action, la violence tangible mais non visible et le caractère presque irréel des personnages (à l’exception du policier) confèrent à l’œuvre une aura un peu trop abstraite. Cela donne parfois lieu à quelques séquences mémorables, notamment lorsque le Professeur donne rendez-vous à J.J. au milieu d’un stade entièrement vide. Le criminologue a le visage et les mains recouverts de bandelettes, le déguisement ultime laissant entendre que son personnage importe peu, mais que seul compte son message. Un message intimant au policier de sauver Gim. Et de ce fait, il montre une photo de la fille à J.J., en ajoutant : « Ce que je vous montre est un meurtre qui n’a pas été encore commis ».

La scène racontant la façon dont Miriam se rappelle la mort de Jerry est aussi très curieuse, retrouvant son amant allongé dans la neige, le visage recouvert de glace, comme effacé, ce qui nous conduit à se poser la question de savoir s’il a réellement existé.

Oui, « Fata Morgana » est une œuvre pour le moins déconcertante, croisement de plusieurs genres, tout comme « La Mort a pondu un Œuf » de Giulio Questi. On peut reprocher à Aranda d’avoir conclu son histoire de façon abrupte, trop hâtive, et de laisser ainsi le spectateur sur sa faim. Mais on a là un véritable film d’auteur, servi par de bons acteurs, parmi lesquels on reconnaîtra un Alberto Dalbès qui deviendra familier dans l’univers de Jess Franco.

F comme Flint

2009-07-09T17:11:00+01:00

Titre original : In Like Flint

Genre : Espionnage, Parodie

Année : 1967

Pays d’origine : U.S.A.

Réalisateur : Gordon Douglas

Distribution : James Coburn, Lee J. Cobb, Jean Hale, Andrew Duggan, Steve Ihnat, Yvonne Craig…

Alors que le super-agent Derek Flint coule des jours heureux avec ses trois nouvelles femmes (les cinq précédentes s’étant depuis mariées), Lloyd C. Cramden, patron de la Zonal Organization World Intelligence Espionage (Z.O.W.I.E.), doit faire face à une énigme impossible à résoudre. Tandis que le chef des services secrets, invité par le Président des Etats-Unis à une partie de golf, chronométrait le swing du chef d’état, il est apparu que l’appareil indiquait trois minutes, alors que la logique aurait voulu qu’il se soit écoulé trois secondes, tout au plus.
En réalité, Cramden, le Président et sa garde rapprochée ont été neutralisés par un gaz paralysant dissimulé dans une balle de golf. Un poison ayant aussi pour effet d’effacer la mémoire, ce qui explique le profond trouble de Cramden. Trois minutes se sont donc effacées de sa mémoire, durant lesquelles une organisation a enlevé le Président des Etats-Unis, le remplaçant par un parfait sosie. Cette organisation a pour nom « Femme Fatale », elle est située sur un îlot du Pacifique, à quelques kilomètres d’une base militaire américaine doublée d’un centre spatial, dans les Iles Vierges. Sous une couverture d’institut de soins esthétiques et de remise en forme, « Femme Fatale » cache en réalité un consortium exclusivement féminin qui envisage de renverser les gouvernements du monde entier afin de transformer la planète en matriarcat. Pour arriver à ses fins, l’organisation a doté tous ses sèche-cheveux d’un appareil conditionnant le sujet. Bientôt, toutes les femmes seront endoctrinées, et se rallieront à la cause de « Femme Fatale ». Sauf si Derek Flint décide de s’en mêler…

Deux ans après « Notre homme Flint », le meilleur des agents secrets reprend donc du service, pour une seconde et dernière fois. On retrouve dans ce nouvel opus les ingrédients qui faisaient le charme du premier film : un héros infaillible, séducteur et décontracté, une espionne craquante, et un décor de rêve (îlot du Pacifique) servant de cadre à la base des méchants. La réalisation en a cette fois été confiée à Gordon Douglas. D’abord acteur durant la première moitié des années 30, l’homme est ensuite passé à la réalisation. Il s’est essayé à plusieurs genres, comme la science-fiction (« Des monstres attaquent la ville », 1954), mais c’est à partir des années 60 qu’il accroît sa notoriété, dans le polar, à travers trois œuvres mettant en vedette Frank Sinatra : « Les 7 voleurs de Chicago », « Tony Rome est dangereux » et « La femme en ciment ». Il tourne encore deux films importants en 1970 : « Appelez-moi Monsieur Tibbs », avec Sydney Poitier, et « Barquero », avec Lee Van Cleef.

A l’instar de « Notre homme Flint », « F comme Flint » ne comporte pas de grosses vedettes, si l’on excepte évidemment James Coburn, et à un degré moindre Lee J. Cobb. Tout juste peut-on dire que Jean Hale, la coordinatrice de charme de « Femme Fatale », a joué dans « Le massacre de la St-Valentin », de Roger Corman ; Andrew Duggan a eu une longue carrière dans la télévision (mais on a pu le voir aussi dans « Le monstre est vivant », de Larry Cohen) ; enfin, Yvonne Craig (la danseuse étoile) connut son heure de gloire grâce au serial « Batman » aux côtés d’Adam West, dans lequel elle incarnait Batgirl. L’actrice a également joué dans « Mars needs Women », de Larry Buchanan.

Mais qu’importe la renommée des seconds rôles, puisqu’avant tout le film repose sur la performance de James Coburn, une fois encore magistral. On a vraiment le sentiment qu’il endosse une seconde fois la tenue de Derek Flint avec un réel plaisir. Un plaisir partagé par le spectateur qui assiste, pendant 1H45, à un festival de l’acteur. On savait, après le premier opus, que l’espion excellait dans des domaines aussi nombreux que variés. Cette fois, on apprend que l’homme est capable de communiquer avec les dauphins, et qu’il écrit des ouvrages scientifiques (il finalise dans le film un traité sur l’isomérie). Mais la cerise sur le gâteau, en dehors des langues étrangères qu’il maîtrise toujours autant et des gadgets qu’il confectionne, est sans aucun doute son passage au Bolchoï en tant que danseur étoile, lors d’un spectacle à l’Opéra de Moscou qui lui permet de rencontrer ainsi la prima ballerina Natasha, une ancienne conquête à qui il veut soutirer des informations. Et quoi de plus simple pour l’agent secret, effectivement, que de figurer dans le ballet, au nez et à la barbe du KGB qu’il ne manquera pas de ridiculiser au cours d’une poursuite mémorable sur les toits de Moscou, avant de s’envoler pour Cuba déguisé en révolutionnaire local !

Flint est l’agent secret ultime (secret en théorie, vu que le simple fait de le nommer provoque une lueur de convoitise au sein de la gent féminine), et son érudition n’a d’égal que son sens de l’improvisation. Afin de sauver la planète, il n’hésite pas à enfiler une tenue de cosmonaute pour affronter un général félon s’étant emparé d’une fusée avec à son bord des ogives nucléaires. Inutile de préciser que notre espion préféré aura le dernier mot, et qu’il pourra goûter un repos bien mérité dans une station orbitale, en compagnie de deux charmantes spationautes soviétiques.

« F comme Flint » reste donc dans l’esprit de « Notre homme Flint », à savoir celui d’une parodie d’espionnage bourrée d’humour et d’action, de gadgets incroyables (ici, une boucle de ceinture/diapason capable d’émettre des ultra-sons, et qui sauvera notre héros en deux occasions), de jolies filles et de dialogues savoureux. Lorsque Flint apprend que le Président des Etats-Unis a été remplacé par un acteur ayant subi des opérations de chirurgie esthétique, il ne peut que répondre avec un air dépité : " Un acteur président ! "
Quatorze ans plus tard, Ronald Reagan deviendra Président des Etats-Unis…